Im Rahmen des Power of Female Art Festival 2024 schuf die chilenische Künstlerin RommyGon ein beeindruckendes Wandbild auf dem Dach am Teufelsberg – ein Werk, das nicht nur durch seine Größe und Farbgebung beeindruckt, sondern vor allem durch seine klare Botschaft: Solidarität, Empathie und der Wunsch nach Frieden.

Eine stille Geste der Solidarität

Das Wandbild zeigt eine große weiße Taube im Flug – mit weit ausgebreiteten Flügeln, elegant schwebend vor einem blaugrünen Hintergrund. Umgeben ist sie von leuchtend grünen Blättern und drei kräftig roten Blüten, die an Mohnblumen erinnern. Die Taube ist ein universelles Symbol des Friedens, die Mohnblume steht häufig für Erinnerung und Mitgefühl mit den Opfern von Krieg. Gemeinsam formen sie ein Bild, das Hoffnung und Menschlichkeit ausstrahlt.

„Dieses Wandbild ist eine Geste der Solidarität mit dem, was aktuell in der Welt passiert – und mit all den Menschen, die in diesem Moment leiden, besonders in Palästina, im Sudan und im Kongo. Es ist ein Aufruf zur Einheit, zum Frieden und zum Schutz. Love over Power.“

Das Werk ist nur aus der Vogelperspektive zu sehen – vom oberen Galerierundgang oder der Dachterrasse nahe der Radome. Diese Platzierung macht das Bild zu einer stillen Geste, die sich nicht aufdrängt, sondern entdeckt werden will – ein visuelles Zeichen der Fürsorge, fern vom Lärm der Welt.

„Kunst ist meine Stimme, und ich habe beschlossen, sie zu nutzen. Das ist meine aufrichtigste Art auszudrücken, wie ich mich angesichts der aktuellen Weltlage fühle – die ich nicht ignorieren kann. Ich muss mich irgendwie äußern, auf die respektvollste Weise, die mir möglich ist – als Künstlerin, Mutter, Frau und vor allem als Mensch.“

Rommys visuelle Welt

Rommy González wurde 1986 in Santiago de Chile geboren und lebt seit 2014 in Berlin. Nach einer Ausbildung in Design und Art Direction arbeitete sie zunächst im Bereich visueller Kommunikation, bevor sie sich ihrer eigenen künstlerischen Praxis widmete. Seit über zehn Jahren bewegt sich ihre Arbeit an den Schnittstellen von Natur, Wissenschaft, Kunst und menschlicher Verbindung.

In ihrer Kunst erforscht sie mikroskopische wie makroskopische Perspektiven – inspiriert von Geologie, Botanik, Mikrobiologie und Pilzsystemen. Ihr Stil ist organisch, farbintensiv und detailreich. Farbe spielt eine zentrale Rolle in ihren Arbeiten, die oft zwischen wissenschaftlicher Präzision und emotionaler Symbolik balancieren.

Rommy arbeitet in verschiedensten Medien: Malerei, Illustration, Textil, Installation, Video und Performance. Besonders bekannt ist sie für ihre farbenfrohen großflächigen Wandbilder im öffentlichen Raum, die sie in Chile, Mexiko, Deutschland, Frankreich, Spanien, Irland, den USA, Hongkong und anderen Ländern realisiert hat.

Mit ihrer Arbeit auf dem Teufelsberg gelingt ihr ein leiser, aber kraftvoller Aufruf: für Gemeinschaft statt Spaltung, für Liebe statt Gewalt, für Frieden statt Macht. Das Werk lädt nicht nur zum Hinschauen ein, sondern zum Innehalten und Mitfühlen. In einer Zeit, in der viele Stimmen laut sind, ist Rommy González’ Kunst ein stilles, aber starkes Zeichen: Love over Power.

Teufelsberg Berlin ist seit Jahren ein Magnet für Street Art-Künstler aus aller Welt. In dieser kreativen Kulisse hat BustArt, ein herausragender Vertreter des Graffiti-Pop, zwei beeindruckende Kunstwerke hinterlassen. Seine Werke aus den Jahren 2018 und 2023 zeigen nicht nur seine technische Finesse, sondern auch seine unverwechselbare Art, ikonische Charaktere aus ihrem Kontext zu lösen und ihnen neue Bedeutungen zu geben.

Das monumentale Wandgemälde

Im Oktober 2023 nahm BustArt am Street Art Festival am Teufelsberg teil und hinterließ ein imposantes Werk auf der Westseite des Hauptgebäudes. Mit einer Größe von 11 mal 14 Metern ist dieses Kunstwerk ein wahrer Blickfang. Die Entstehung war jedoch alles andere als einfach.

Wie BustArt selbst erzählt, begann der Prozess unter idealen Bedingungen mit Sonnenschein und angenehmen Temperaturen. Doch das Berliner Wetter im Oktober zeigte schnell seine Tücken: Regen, Wind und Kälte machten ihm das Malen schwer. Um sich zu schützen, baute er kurzerhand seine Hebebühne in ein provisorisches Zelt um, packte sich in fünf Schichten Kleidung ein und sorgte mit Musik für Motivation. Die Oberfläche der Wand erwies sich als besonders herausfordernd, da zahlreiche übermalte Farbschichten den Trocknungsprozess erschwerten. So musste er die Farbe mehrfach auftragen, bis das Ergebnis perfekt war. Nach sechs intensiven Tagen, an denen er als Erster auf dem Berg erschien und als Letzter ging, war das Werk vollendet.

Das Wandgemälde zeigt BustArts charakteristische Mischung aus Pop-Art, Graffiti und ikonischen Cartoon-Figuren. Zentral in der Komposition steht eine großformatige, dynamische Cartoon-Figur, die mit intensiven Farben und starken Kontrasten in den Vordergrund rückt. Um sie herum sind verschiedene popkulturelle Elemente zu entdecken: Comic-Helden, verzerrte Werbeikonen und abstrakte Muster, die an klassische Graffiti-Tags erinnern. Die „Cut and Paste“-Technik, bei der BustArt verschiedene Elemente aus unterschiedlichen Kontexten zusammenführt, sorgt für eine kraftvolle visuelle Sprache. Die überlagernden Farbschichten und bewusst gesetzten Unschärfen verleihen dem Werk eine gewisse Tiefe, die beim Betrachten immer neue Details enthüllt.

Popkulturelle Explosion

Bereits 2018 hinterließ BustArt ein weiteres Kunstwerk am Teufelsberg, das sich in der ersten Etage der Galerie befindet. Es zeigt eine Frau mit weit aufgerissenen Augen, ihr Blick wirkt überrascht oder gar erschrocken. Neben ihr prangt eine cartoonartige Katzenfigur, die schelmisch in die Szene hineinschaut. Die knalligen Farben – kräftiges Blau, leuchtendes Gelb und tiefes Rot – erzeugen eine intensive Bildwirkung. Die dynamische Komposition, in der verschiedene visuelle Elemente miteinander verschmelzen, verleiht dem Bild eine mitreißende Energie.

Dieses Werk ist ein perfektes Beispiel für BustArts frühere Schaffensphase, in der er sich intensiv mit Stencils und figurativen Motiven auseinandersetzte. Die klaren Linien und der plakative Stil erinnern an die Ästhetik von Vintage-Comicstrips, kombiniert mit modernen Street Art-Elementen. Auch hier zeigt sich sein Talent, bekannte Figuren in einen neuen, ungewohnten Kontext zu setzen und den Betrachter so zum Nachdenken anzuregen.

BustArt begann seine Karriere 1999 mit klassischem Graffiti, bevor er sich weiterentwickelte und seine Technik durch Reisen durch Europa verfeinerte. In Amsterdam fand er eine kreative Heimat und konzentrierte sich dort voll und ganz auf seine Kunst. Sein Stil wandelte sich über die Jahre von politischen Stencils hin zu ausgefeilten Kompositionen, in denen er klassische Graffiti-Elemente mit Pop-Art und Cartoon-Figuren verschmelzen ließ.

BustArt sieht Street Art nicht nur als künstlerischen Ausdruck, sondern als direkte Kommunikation mit den Menschen auf der Straße. Sein Ziel ist es, überraschende und farbenfrohe Werke zu schaffen, die die Betrachter zum Nachdenken anregen. Er hat bereits in Metropolen wie New York, London, Paris und Mumbai gearbeitet und hinterlässt weltweit Spuren seines unverkennbaren Stils.

Die beiden Kunstwerke am Teufelsberg sind Ausdruck seiner künstlerischen Entwicklung und zugleich Teil der lebendigen Street Art-Szene Berlins. Sie zeigen, wie sehr dieser Ort ein Magnet für kreative Küpnstler aus aller Welt ist und immer wieder neue Geschichten in Farbe erzählt.

Seit 2019 schmückt ein ganz besonderes Werk des mexikanischen Künstlers Sr. Papá Chango die erste Etage der Galerie. Mit seiner farbenfrohen, fast kindlichen Ästhetik erschafft der mexikanische Künstler eine Szene, die sowohl berührt als auch zum Nachdenken anregt. Seine Kunst verbindet Fantasie mit dem Alltag und setzt ein klares Zeichen für Menschlichkeit, Offenheit und globale Verbundenheit.

Eine Szene voller Emotionen

Das Mural trägt den Namen „No Borders! Will accept love“ und zeigt eine Gruppe skurriler, pelziger Wesen in intensiven Farben. Auf der linken Seite sitzt ein großes, traurig wirkendes, blaues Wesen mit gesenktem Blick. Vor ihm steht ein Schild mit der Aufschrift „Will accept love“ – eine Botschaft, die in ihrer Schlichtheit tief trifft. Gegenüber steht ein kleineres, rot-orangefarbenes Wesen mit ausgestreckten Armen, als ob es Trost oder Freundschaft anbieten möchte. Dazwischen ein kleiner Hund – eine universelle Metapher für Loyalität und bedingungslose Liebe. Die Szene strahlt eine berührende Mischung aus Melancholie, Hoffnung und Verbundenheit aus.

Der Titel „No Borders! Will accept love“ gibt dem Werk eine noch tiefere Bedeutung. Auf den ersten Blick könnte man „No Borders“ politisch verstehen – als Kritik an physischen Grenzen zwischen Ländern. Doch das Mural spricht eine universellere Sprache: Welche Grenzen errichten wir im Alltag? Es geht um soziale Barrieren, um Ausgrenzung und um die Mauern, die zwischen Menschen bestehen.

Das große blaue Wesen wirkt nicht nur traurig – es scheint isoliert, übersehen, vielleicht sogar ignoriert. Doch es bittet nicht um Geld oder materielle Hilfe, sondern um etwas viel Grundlegenderes: Liebe. Es ist eine stille Erinnerung daran, dass jeder Mensch – unabhängig von Herkunft oder sozialem Status – das Bedürfnis nach Zugehörigkeit und Zuneigung hat. Sr. Papá Chango bringt uns mit diesem Werk dazu, über unsere eigenen Grenzen nachzudenken und darüber, wie oft wir diejenigen übersehen, die eigentlich nur ein wenig Mitgefühl brauchen.

Kunst als Sprache für globale Themen

Sr. Papá Chango ist ein mexikanischer Künstler mit Wohnsitz in Berlin. Seine Werke zeichnen sich durch eine einzigartige Mischung aus Fantasie und Alltag aus. Er erschafft bunte, lebendige Welten voller Charaktere, die auf den ersten Blick verspielt wirken, aber tiefgründige Botschaften vermitteln.

„Es ist mir sehr wichtig, Menschen für aktuelle globale Themen zu sensibilisieren. Deshalb informiere ich mit meinen unschuldigen Murals auf klare und einfache Weise – mit der Absicht, Herz und Verstand zu berühren.“

Seine Kunst geht über Ästhetik hinaus – sie ist ein Instrument, um gesellschaftliche und politische Themen sichtbar zu machen. Grenzen, soziale Ungerechtigkeit und menschliche Verbundenheit sind wiederkehrende Motive in seinen Werken. Das Mural am Teufelsberg verdeutlicht dies auf eine poetische Weise: Liebe kennt keine Grenzen, und jeder verdient Zuneigung und Mitgefühl.

In den letzten sechs Jahren hat Sr. Papá Chango seine Kunst auf der ganzen Welt ausgestellt – von Deutschland über Spanien, Rumänien, Australien, die Niederlande, Belgien, Kolumbien bis hin zu Mexiko. Sein Ziel ist es, nicht nur Kunstwerke zu hinterlassen, sondern auch mit Gemeinschaften und Menschen in Kontakt zu treten.

Mit seinem Mural am Teufelsberg ist es ihm gelungen, einen Teil der Urban Art Culture in Berlin mitzugestalten und eine bleibende Botschaft zu hinterlassen. Sein Werk erinnert uns daran, dass Empathie, Liebe und Zusammenhalt universelle Werte sind – unabhängig von Herkunft, Grenzen oder Sprache. Das Kunstwerk lädt dazu ein, einen Moment innezuhalten, die Botschaft auf sich wirken zu lassen – und vielleicht auch darüber nachzudenken, wie wir selbst ein kleines bisschen mehr Liebe in die Welt bringen können.

Während des Power of Female Art Festivals im März 2024 erhielt der Jambalya-Turm auf dem Teufelsberg ein neues Gesicht. Direkt von der Bar aus sichtbar, schmückt nun ein farbenfrohes Wandgemälde von Júlia Mota Albuquerque, besser bekannt als Land of Júlia, die markante Struktur. Ihre Arbeit verbindet brasilianische Kunstgeschichte mit ihrem eigenen illustrativen Stil und setzt ein lebendiges Zeichen für kulturelle Vielfalt und weibliche Stärke.

Eine Hommage an Tarsila do Amaral

Júlia ließ sich für ihr Mural auf dem Teufelsberg von einer der berühmtesten brasilianischen Malerinnen inspirieren: Tarsila do Amaral. Besonders ihr ikonisches Werk Abaporú, das als eines der wichtigsten Werke der modernen brasilianischen Kunst gilt, diente als Vorlage. In Abaporú sitzt eine überproportionale Figur in einer weiten Landschaft, umgeben von einem Kaktus, unter einem strahlend blauen Himmel. Die Farbpalette – Blau, Gelb und Grün – spiegelt die Farben der brasilianischen Flagge wider.

Für ihr Wandbild übertrug Júlia diese Elemente in ihren eigenen Stil. Ihr Markenzeichen ist eine flächige, fast cartoonartige Ästhetik, die aus ihrer Arbeit als Illustratorin stammt. Das Ergebnis ist eine moderne Interpretation von Amarals Werk, die nicht nur als Hommage an die brasilianische Kunstgeschichte dient, sondern auch eine visuelle Verbindung zwischen Berlin und Brasilien schafft.

Das Power of Female Art-Festival feierte Frauen in der Kunst und setzte ein klares Zeichen für mehr Sichtbarkeit und Gleichberechtigung im Kunstbetrieb. Júlias Wandbild war dabei ein perfektes Beispiel für die Bedeutung weiblicher Kunst – sowohl als Inspiration als auch als aktiver Beitrag zur zeitgenössischen Kunstszene. Ihr Wandbild auf dem Teufelsberg zeigt eindrucksvoll, wie weibliche Künstlerinnen Geschichte schreiben – damals wie heute.

Kunst zwischen Berlin und Brasilien

Júlia Mota Albuquerque stammt aus Minas Gerais, einem großen Bundesstaat im Südosten Brasiliens. Obwohl sie derzeit in Berlin lebt, pendelt sie regelmäßig zwischen beiden Ländern und ist oft auf Reisen – sei es für künstlerische Projekte oder einfach aus Leidenschaft für neue Orte.

Ihr künstlerisches Spektrum ist breit: Sie arbeitet sowohl an digitalen Illustrationen für Branding, Werbung und Publikationen als auch an großflächigen Wandbildern und Installationen. Besonders wichtig ist ihr, Kunst für alle zugänglich zu machen. Deshalb zieht es sie immer wieder in urbane Räume, wo sie mit ihren Murals nicht nur das Stadtbild bereichert, sondern auch lokale Gemeinschaften einbezieht.

Vielfalt und Zusammenhalt als Leitmotive

Die Themen, die Júlia in ihrer Kunst behandelt, drehen sich um Vielfalt, Inklusion und Gemeinschaft. Ihre Murals sind nicht nur farbenfrohe Hingucker, sondern tragen eine tiefere Botschaft: Sie sollen Menschen zusammenbringen und die Städte, in denen sie entstehen, positiv beeinflussen. Genau deshalb fühlt sie sich von belebten Metropolen besonders angezogen – ihre Kunst soll nicht nur gesehen, sondern erlebt werden.

Neben Wandmalerei experimentiert sie regelmäßig mit neuen Medien. Sie illustriert, animiert, bemalt Objekte und beschäftigt sich mit textilen Techniken wie Tufting. Ihr langfristiges Ziel ist es, groß angelegte Installationen im öffentlichen Raum zu schaffen – Projekte, die nicht nur Kunst, sondern auch Interaktion ermöglichen.

Júlias Werke sind mittlerweile in mehreren Ländern zu finden. Ihre Murals zieren Wände in Frankreich, Belgien, Deutschland, Tschechien und Brasilien. Ihre künstlerische Handschrift ist unverkennbar: kräftige Farben, klare Formen und eine verspielte, aber dennoch tiefgründige Bildsprache.

Mit ihrem Beitrag zum Power of Female Art-Festival hat Júlia Mota Albuquerque nicht nur einen neuen Blickfang auf dem Teufelsberg geschaffen, sondern auch ein Stück brasilianischer Kunstgeschichte nach Berlin gebracht. Ihr Werk ehrt die legendäre Tarsila do Amaral und fügt sich gleichzeitig perfekt in Júlias persönliche Vision von Kunst ein: bunt, zugänglich und mit einer starken Botschaft versehen.

Der Teufelsberg ist ein Symbol für die kulturelle Vielfalt Berlins und ein Ort, an dem Künstler*innen ihre Botschaften auf unverwechselbare Weise ausdrücken können. Damian Yves Rohde, besser bekannt als DYR, ist einer der Künstler, die diesen besonderen Ort geprägt haben. Sein Beitrag zur #FreiheitBerlin-Installation zeigt seine unverwechselbare Handschrift und künstlerische Vision.

„Glitch Bitch“: Ein Statement für Freiheit und Vielfalt

Der Buchstabe „N“ aus der #FreiheitBerlin-Installation trägt den Titel „Glitch Bitch“ und spiegelt Damian Yves Rohdes Verständnis von Freiheit wider. Für DYR Freihet bedeutet: „man kann das machen und sagen, worauf man Lust hat, ohne jemanden zu schaden. Es ist ein Fundament, es eine Basis wo man auch nicht einer Meinung sein muss, sondern auch miteinander in einem respektvollen Rahmen Ansichten vortragen und sich streiten kann.“ In seinem Werk betont er die Bedeutung von Respekt gegenüber Geschlecht, Religion, Kleidung und Lebensstil – unabhängig von persönlichen Vorlieben.

Das Design des „N“ besticht durch leuchtende Farben, kontrastreiche Details und dynamische Formen. Die dargestellten Gesichter, typisch für DYRs Stil, wirken lebendig und ausdrucksstark. Die brillanten Farbakzente und der Einsatz von Mustern wie den „Glitches“ im Hintergrund verleihen dem Werk eine moderne, digitale Ästhetik, die gleichzeitig verspielt und gesellschaftlich relevant ist. Diese Verbindung zwischen Pop Art und sozialem Kommentar macht „Glitch Bitch“ zu einem Werk, das Freiheit im Berliner Kontext perfekt einfängt.

DYR erklärt: „Berlin steht dafür, eine Basis zu sein, wo jeder so rumlaufen kann, wie er oder sie möchte, und sagen kann, was man möchte, solange man nicht respektlos wird.“ Genau diese Essenz von Toleranz und Individualität hat er in seinem Beitrag umgesetzt.

Vom West-Berliner Kind zum international gefeierten Künstler

Damian Yves Rohde wurde 1985 in West-Berlin geboren und wuchs in einem multikulturellen Umfeld auf, das seine künstlerische Entwicklung nachhaltig prägte. Aufgewachsen in der Kreuzberger und Schöneberger Kunstszene, war er von jungen Kunststudentinnen bis hin zu etablierten Künstlerinnen umgeben. Früh entwickelte er eine Affinität zur Kunst, die von der Graffitikultur an der Berliner Mauer sowie durch Besuche in Ausstellungen beeinflusst wurde.

Seit 2020 hat sich DYR verstärkt der Pop Art zugewandt und einen einzigartigen Stil entwickelt. Dabei abstrahiert er Gesichter aus seinem engsten Umfeld, reduziert sie auf die nötigsten Merkmale und erschafft so Werke, die zugleich persönlich und universell sind. Seine Kunst ist nicht nur in Berlin, sondern auch international bekannt – mit Ausstellungen in Paris, London und weiteren Städten.

Zwischen Wildheit und Individualität

Neben seinem Beitrag zur #FreiheitBerlin-Installation hat DYR ein weiteres beeindruckendes Werk im Gallery-Tower geschaffen. Dieses Wandgemälde zeigt eine dynamische Kombination aus menschlichen und tierischen Elementen, die seine Pop-Art-Ästhetik perfekt widerspiegelt.

Im Zentrum des Murals steht ein großer, stilisierter Bärenkopf mit leuchtend orangefarbenen Sonnenbrillen und einem weit geöffneten Maul, das scharfe Zähne zeigt. Der Bär wirkt gleichzeitig aggressiv und verspielt – ein Symbol für die wilde, ungezähmte Energie Berlins, die doch immer mit einer modernen, kulturellen Schicht überzogen ist.

Links und rechts des Bärenkopfes sind abstrahierte menschliche Figuren dargestellt. Diese Personen wurden im gleichen stilistischen Ansatz wie die Gesichter auf dem Buchstaben „N“ gestaltet, der für DYRs Handschrift typisch ist. Die Verbindung von leuchtenden Farben, prägnanten Gesichtszügen und spielerischen Accessoires zeigt DYRs einzigartige Pop-Art-Interpretation von Individualität und Diversität.

Der Hintergrund des Murals ist in dunklen, lebendigen Farbtönen gehalten, die die Figuren und den Bären hervorheben. Die stilistische Parallele zwischen dem Mural und dem Buchstaben „N“ schafft eine erkennbare Linie, die DYRs Handschrift unverkennbar macht. Diese Ähnlichkeit zeigt, wie er seine künstlerische Identität konsequent in verschiedenen Werken einsetzt und gleichzeitig neue Geschichten erzählt.