Der Teufelsberg ist ein Symbol für die kulturelle Vielfalt Berlins und ein Ort, an dem Künstler*innen ihre Botschaften auf unverwechselbare Weise ausdrücken können. Damian Yves Rohde, besser bekannt als DYR, ist einer der Künstler, die diesen besonderen Ort geprägt haben. Sein Beitrag zur #FreiheitBerlin-Installation zeigt seine unverwechselbare Handschrift und künstlerische Vision.

„Glitch Bitch“: Ein Statement für Freiheit und Vielfalt

Der Buchstabe „N“ aus der #FreiheitBerlin-Installation trägt den Titel „Glitch Bitch“ und spiegelt Damian Yves Rohdes Verständnis von Freiheit wider. Für DYR Freihet bedeutet: „man kann das machen und sagen, worauf man Lust hat, ohne jemanden zu schaden. Es ist ein Fundament, es eine Basis wo man auch nicht einer Meinung sein muss, sondern auch miteinander in einem respektvollen Rahmen Ansichten vortragen und sich streiten kann.“ In seinem Werk betont er die Bedeutung von Respekt gegenüber Geschlecht, Religion, Kleidung und Lebensstil – unabhängig von persönlichen Vorlieben.

Das Design des „N“ besticht durch leuchtende Farben, kontrastreiche Details und dynamische Formen. Die dargestellten Gesichter, typisch für DYRs Stil, wirken lebendig und ausdrucksstark. Die brillanten Farbakzente und der Einsatz von Mustern wie den „Glitches“ im Hintergrund verleihen dem Werk eine moderne, digitale Ästhetik, die gleichzeitig verspielt und gesellschaftlich relevant ist. Diese Verbindung zwischen Pop Art und sozialem Kommentar macht „Glitch Bitch“ zu einem Werk, das Freiheit im Berliner Kontext perfekt einfängt.

DYR erklärt: „Berlin steht dafür, eine Basis zu sein, wo jeder so rumlaufen kann, wie er oder sie möchte, und sagen kann, was man möchte, solange man nicht respektlos wird.“ Genau diese Essenz von Toleranz und Individualität hat er in seinem Beitrag umgesetzt.

Vom West-Berliner Kind zum international gefeierten Künstler

Damian Yves Rohde wurde 1985 in West-Berlin geboren und wuchs in einem multikulturellen Umfeld auf, das seine künstlerische Entwicklung nachhaltig prägte. Aufgewachsen in der Kreuzberger und Schöneberger Kunstszene, war er von jungen Kunststudentinnen bis hin zu etablierten Künstlerinnen umgeben. Früh entwickelte er eine Affinität zur Kunst, die von der Graffitikultur an der Berliner Mauer sowie durch Besuche in Ausstellungen beeinflusst wurde.

Seit 2020 hat sich DYR verstärkt der Pop Art zugewandt und einen einzigartigen Stil entwickelt. Dabei abstrahiert er Gesichter aus seinem engsten Umfeld, reduziert sie auf die nötigsten Merkmale und erschafft so Werke, die zugleich persönlich und universell sind. Seine Kunst ist nicht nur in Berlin, sondern auch international bekannt – mit Ausstellungen in Paris, London und weiteren Städten.

Zwischen Wildheit und Individualität

Neben seinem Beitrag zur #FreiheitBerlin-Installation hat DYR ein weiteres beeindruckendes Werk im Gallery-Tower geschaffen. Dieses Wandgemälde zeigt eine dynamische Kombination aus menschlichen und tierischen Elementen, die seine Pop-Art-Ästhetik perfekt widerspiegelt.

Im Zentrum des Murals steht ein großer, stilisierter Bärenkopf mit leuchtend orangefarbenen Sonnenbrillen und einem weit geöffneten Maul, das scharfe Zähne zeigt. Der Bär wirkt gleichzeitig aggressiv und verspielt – ein Symbol für die wilde, ungezähmte Energie Berlins, die doch immer mit einer modernen, kulturellen Schicht überzogen ist.

Links und rechts des Bärenkopfes sind abstrahierte menschliche Figuren dargestellt. Diese Personen wurden im gleichen stilistischen Ansatz wie die Gesichter auf dem Buchstaben „N“ gestaltet, der für DYRs Handschrift typisch ist. Die Verbindung von leuchtenden Farben, prägnanten Gesichtszügen und spielerischen Accessoires zeigt DYRs einzigartige Pop-Art-Interpretation von Individualität und Diversität.

Der Hintergrund des Murals ist in dunklen, lebendigen Farbtönen gehalten, die die Figuren und den Bären hervorheben. Die stilistische Parallele zwischen dem Mural und dem Buchstaben „N“ schafft eine erkennbare Linie, die DYRs Handschrift unverkennbar macht. Diese Ähnlichkeit zeigt, wie er seine künstlerische Identität konsequent in verschiedenen Werken einsetzt und gleichzeitig neue Geschichten erzählt.

Auf dem Teufelsberg vereint sich Geschichte mit moderner Kunst – ein Ort, an dem kreative Visionen Gestalt annehmen und Besucher*innen inspiriert werden. Eine der Künstlerinnen, die hier einen bleibenden Eindruck hinterlassen haben, ist Caro Pepe. Die argentinische Künstlerin und Muralistin, die seit 2012 in Berlin lebt, hat zwei beeindruckende Werke geschaffen: den Buchstaben „I“ für die #FreiheitBerlin-Installation und das Wandgemälde „Rebellion in the Carrousel“ im Rahmen des Power of Female Art Festivals 2024.

Visuelle Meditation

Caro Pepe hat mit ihrem Beitrag zur #FreiheitBerlin-Installation das Konzept von Freiheit in ihrer tiefsten, emotionalen Form interpretiert. Ihr Buchstabe „I“ ist nicht nur ein visueller Ausdruck, sondern auch ein philosophischer. Für Caro ist Kunst Freiheit – die Freiheit, Gefühle auszudrücken, Gedanken zu ordnen und sich von schweren Gedanken zu befreien. Sie beschreibt den kreativen Prozess als eine Art Meditation: „Kunst macht mich leichter, erfüllt mich, und befreit mich von unerwünschten Dingen.“

Der Hintergrund des Werks zeigt gewundene, lebendige Pinselstriche in verschiedenen Schattierungen von Blau, die wie eine kraftvolle Bewegung wirken – als ob ein unsichtbarer Wind durch das Bild weht. Diese fließende Struktur verleiht dem Buchstaben eine besondere Energie und Dynamik, die Freiheit im Sinne von Bewegung und Veränderung darstellt.

Im Zentrum des Buchstabens befindet sich ein Zweig mit jungen, aufbrechenden Knospen. Dieses Motiv symbolisiert Wachstum, Neubeginn und die Befreiung von starren Strukturen. Die Knospen scheinen fast aus der Bewegung des Hintergrunds herauszuwachsen, was den Eindruck vermittelt, dass sie sich aus inneren Kräften emanzipieren. Dieses Zusammenspiel aus dynamischem Hintergrund und organischem Zentrum zeigt Caro Pepes Fähigkeit, visuelle und emotionale Ebenen miteinander zu verweben. Für Caro ist dieses Werk eine Reflexion über Freiheit als inneren Prozess: „Freiheit, die uns von belastenden Gedanken befreit, und Freiheit, die uns wachsen lässt.“

Introspektive Kunst

Caro Pepe begann ihre künstlerische Laufbahn in der Werbebranche als Art Director in Buenos Aires und Madrid, bevor sie sich entschied, ihre Leidenschaft für Kunst zu ihrem Lebensinhalt zu machen. Mit ihrem Umzug nach Berlin im Jahr 2012 startete sie ihre Karriere als freischaffende Künstlerin und Muralistin. Seitdem hat sie auf der ganzen Welt gemalt und ausgestellt – von Europa über Südamerika bis nach Asien.

Ihre Kunst ist geprägt von einer intimen Auseinandersetzung mit der emotionalen Welt. Besonders bekannt sind ihre „One-Eyed“-Frauen, die in vielen ihrer Werke auftauchen. Sie stehen für Subjektivität und die persönliche Wahrnehmung von Realität. „Wir alle sehen nur einen Teil der Wahrheit und definieren unsere Welt auf dieser Grundlage“, erklärt sie. Diese introspektive Sichtweise durchzieht ihr gesamtes Werk und macht es zu einer tief persönlichen und zugleich universellen Erfahrung.

Kraft und Veränderung

Neben dem Buchstaben „I“ schuf Caro Pepe während des Power of Female Art Festivals 2024 ein beeindruckendes Wandgemälde mit dem Titel „Rebellion in the Carrousel“. Dieses Werk, das auf der Wand der ehemaligen Kantine zu sehen ist, erzählt eine Geschichte von Resilienz und der Kraft, alte Muster zu durchbrechen.

In „Rebellion in the Carrousel“ steht die einäugige Frau im Mittelpunkt, umgeben von einem zerbrechenden Karussell. Das Karussell, ein Symbol für endlose Zyklen und repetitive Muster, wird von der Frau aktiv zerstört. Die fliegenden Fragmente und losen Bänder visualisieren den Moment der Befreiung – ein kraftvoller Akt des Durchbrechens und der Veränderung. Die Frau strahlt Entschlossenheit und Stärke aus, ihre Haltung ist aufrecht, und ihr Blick, obwohl nur mit einem Auge sichtbar, vermittelt Tiefe und Intensität.

Die technische Ausführung des Werkes unterstreicht die Dramatik und Symbolik. Caro Pepes Einsatz von Spray Paint, Acrylfarben und Wandemulsion bringt Bewegung und Lebendigkeit in die Szenerie. Die warmen Kupfertöne, kombiniert mit kühlen Blautönen, schaffen einen spannenden Kontrast zwischen der Stabilität der Hauptfigur und der Dynamik des zerfallenden Karussells. Aus der Nähe betrachtet offenbaren sich fein ausgearbeitete Details – wie die verzierte Mähne der Karussellpferde –, während das Werk aus der Ferne seine imposante Gesamtheit entfaltet.

Dieses Wandgemälde ist nicht nur eine ästhetische Leistung, sondern auch ein tiefgründiges Symbol für den Mut, aus alten Mustern auszubrechen. Es inspiriert die Betrachter*innen, über ihre eigenen Zyklen nachzudenken und den Schritt zur Veränderung zu wagen.

Wer das #FreiheitBerlin am Teufelsberg betrachtet, wird von dem mächtigen ‚R‘ in den Bann gezogen. Dieses Werk stammt von Till Jürgens, besser bekannt als KOTTITAUBE, einem Berliner Graffiti-Künstler und Kommunikationsdesigner. Sein Name verweist auf seine Wurzeln am Kottbusser Tor in Kreuzberg, wo er in den 80er Jahren aufwuchs – geprägt vom bunten Leben und der rebellischen Graffitikultur Berlins.

Die Sprache der Tauben

KOTTITAUBE nutzt das ‚R‘, um eine kraftvolle und vielschichtige Geschichte zu erzählen. Auf der einen Seite ist eine Taube von rotem Stacheldraht gefesselt – ein eindringliches Symbol für Einschränkung und Unterdrückung. Auf der anderen Seite löst sich der Stacheldraht, und die Taube fliegt in die Freiheit. Diese Gegensätze visualisieren die Spannung zwischen Kontrolle und Befreiung – eine universelle Thematik, die in vielen Kontexten weltweit relevant ist.

Die Taube selbst ist keine klassische weiße Friedenstaube, sondern eine graue Stadttaube – ein bewusst gewähltes Symbol für das urbane Leben. Sie steht für Anpassungsfähigkeit und Überlebenswillen, geprägt von der rauen Realität in Großstädten wie Berlin, wo KOTTITAUBE selbst aufwuchs.

Auf dem ‚R‘ finden sich die Worte „R wie fRRee Palestine! R wie Rafah! Lasst euch nicht den Schnabel verbieten!“ Diese Botschaften verweisen auf den israelisch-palästinensischen Konflikt und die Stadt Rafah im Gazastreifen, die symbolisch für Blockaden und militärische Auseinandersetzungen steht. Der rote Stacheldraht greift diese Thematik auf und wird zum Sinnbild der Einschränkungen und des gleichzeitigen Wunsches nach Freiheit.

Ein weiteres faszinierendes Detail ist die rote Figur, die auf der Taube reitet und eine weiße Fahne mit einer Wassermelone trägt. Die Wassermelone, deren Farben – Rot, Grün, Weiß und Schwarz – an die palästinensische Flagge erinnern, hat sich als Symbol des Widerstands etabliert. Sie wird oft als subtile Alternative genutzt, um kulturelle Identität und Zusammenhalt trotz Einschränkungen sichtbar zu machen.

Auch die wiederholte Betonung des Buchstabens ‚R‘ ist vielschichtig: „R wie fRRee Palestine!“ und „R wie Rafah!“ spielen nicht nur auf den Buchstaben an, sondern auch auf das Gurren der Taube – ein raues „Grrr“, das für Beharrlichkeit und Widerstandsfähigkeit steht.

Die Details des Kunstwerks sind beeindruckend: die Taube mit entschlossenem Blick, der rote Stacheldraht, der sich wie eine stumme Mahnung durch das Bild zieht, und die surrealen, kristallinen Formen am unteren Rand des Buchstabens. All diese Elemente verdeutlichen die Hindernisse, die überwunden werden müssen, um Freiheit und Frieden zu erreichen.

KOTTITAUBEs Wurzeln

KOTTITAUBE beschreibt sich selbst als einen Künstler, dessen Leben schon früh von Buchstaben geprägt war. Seine Liebe zu Typografie begann in seiner Jugend, als er gemeinsam mit anderen Graffiti-Künstler:innen internationale Anerkennung erlangte. Später vertiefte er seine Leidenschaft durch ein Studium im Kommunikationsdesign, das ihm neue Medien wie 3D-Modellierung, Videoanimation und Virtual Reality eröffnete.

Seine künstlerische Vielseitigkeit ist das Ergebnis einer jahrzehntelangen Leidenschaft für Buchstaben, Farben und Gestaltung. Vom Graffiti in den Straßen Kreuzbergs bis hin zu hochmodernen digitalen Projekten hat er es geschafft, Tradition und Innovation in seiner Kunst zu vereinen.

Eine Taube ohne Gesicht

Im zweiten Stock des Turms am Teufelsberg hat KOTTITAUBE ein weiteres eindrucksvolles Werk geschaffen: eine monumentale Stadttaube mit ausladender Flügelspannweite. Auffällig ist, dass das Gesicht der Taube verborgen bleibt – verdeckt durch eine rote Linie, die wie eine Barriere oder eine Trennlinie wirkt. Dieses Detail lässt Raum für Interpretationen: Es könnte auf die Unsichtbarkeit und das Schweigen hinweisen, mit dem nicht nur Stadttauben, sondern auch Menschen in urbanen oder konfliktreichen Umfeldern oft konfrontiert sind. Es erinnert daran, wie leicht Individuen übersehen oder an den Rand gedrängt werden.

Die kristallinen Strukturen um die Taube, die an zerbrochenes Glas oder Eis erinnern, verstärken den Kontrast zwischen Stärke und Zerbrechlichkeit. Sie scheinen einerseits Hindernisse darzustellen, andererseits aber auch Schönheit inmitten von Gefahr. Dieses Spannungsfeld macht das Werk zu einer visuellen Metapher für die Herausforderungen des Lebens in urbanen Räumen oder konfliktbeladenen Kontexten.

Das Mural spiegelt KOTTITAUBEs charakteristischen Stil wider: die Auseinandersetzung mit Gegensätzen wie Stärke und Zerbrechlichkeit, Sichtbarkeit und Unsichtbarkeit. Die Taube, ein Symbol für Anpassungsfähigkeit und Widerstandskraft, bleibt dennoch ein Mysterium. Sie fordert die Betrachtenden auf, genauer hinzusehen und ihre eigene Interpretation der vielschichtigen Botschaft zu finden.

Mit seinen Werken am Teufelsberg zeigt KOTTITAUBE nicht nur sein künstlerisches Können, sondern auch seine Fähigkeit, komplexe Botschaften durch subtile Symbole und kraftvolle Bilder zu vermitteln. Seine Tauben stehen für Widerstand, Anpassung und den unaufhörlichen Wunsch nach Freiheit – in Berlin und überall auf der Welt.

CAZ.L gehört zu den spannendsten Namen der internationalen Street-Art-Szene. Mit ihren kraftvollen Stencil- und Wandbildern erweckt sie Mauern zum Leben und verbindet urbanes Lebensgefühl mit tiefgründigen Botschaften. Auf dem Teufelsberg hat sie gleich zwei beeindruckende Werke hinterlassen: das markante „E“ der #FreiheitBerlin-Buchstabeninstallation und das eindrucksvolle Mural „Medusa“, entstanden während des Power of Female Art Festivals 2024. Beide Werke erzählen Geschichten von Freiheit, Widerstand und der unbändigen Energie der Großstadt.

Die Diebe der Großstadt

Wenn du vor dem „E“ der #FreiheitBerlin-Installation stehst, begegnen dir zwei ikonische Stadtbewohner: eine Möwe und eine Krähe. Mit diesen beiden cleveren Vögeln hat CAZ.L den Geist der Großstadt eingefangen. Möwen und Krähen sind Meister der Anpassung – frei und unabhängig navigieren sie durch die urbanen Landschaften, nehmen sich, was sie brauchen, und lassen sich von keiner Barriere aufhalten.

Der Hintergrund des „E“ in leuchtendem Magenta lässt die beiden Vögel ausdrucksstark hervortreten. Um ihre Hälse baumelt jeweils ein Friedensanhänger, ein bewusst gewähltes Symbol, das die Botschaft der Freiheit mit der Forderung nach Frieden verbindet. Die Künstlerin beschreibt ihr Werk so: „Krähe und Möwe, die Diebe der Großstadt. Klug und geschickt nehmen sie sich die Freiheit.“

Mit diesem Werk zeigt CAZ.L, dass Freiheit nicht selbstverständlich ist, sondern mit Eigenverantwortung, Kreativität und Mut einhergeht. Die Vögel stehen für den unbändigen Willen zur Unabhängigkeit, aber auch für die Herausforderungen, die eine solche Freiheit mit sich bringt. Dieses „E“ ist nicht nur ein Buchstabe, sondern ein kraftvolles Statement über das Leben in der Stadt – rau, frei und voller Möglichkeiten.

CAZ.L und ihre Vision

Hinter dem Künstlernamen CAZ.L steht Ann, eine in Ost-Berlin geborene Künstlerin, die mit ihren außergewöhnlichen Stencil- und Wandbildern weltweit bekannt wurde. Ihre künstlerische Reise begann auf den Straßen Berlins, wo sie die Fassaden der Großstadt in beeindruckende Leinwände verwandelte. Um ihre Vision auch an den höchsten Wänden verwirklichen zu können – und dabei den spektakulären Blick über die Dächer der Stadt zu genießen – machte sie kurzerhand ihren Kranführerschein.

Ihre Werke zeichnen sich durch ein harmonisches Spiel von Farbe, Licht und Schatten aus, das sowohl kleinformatige als auch großflächige Kunstwerke zum Leben erweckt. Über ihre Mission sagt sie: „Meine Kunst soll unerwartete Lächeln hervorrufen und den Nachbarschaften ein Gefühl des Zusammenhalts schenken.“

Als dreimalige Finalistin des World Stencil Art Prize hat sich CAZ.L längst in der internationalen Street-Art-Szene etabliert. Ihre Kunst ziert sowohl die Straßen von Städten in Europa und den USA als auch die Wände renommierter Galerien. Mit ihrer Arbeit verbindet sie Kreativität, soziale Botschaft und den Wunsch, Menschen miteinander zu verbinden.

Medusa: Zwischen Mythos und Realität

Ein beeindruckendes Mural von CAZ.L entstand im Rahmen des Power of Female Art Festivals anlässlich des Internationalen Frauentags im März 2024 und schmückt die Wände der Kantine auf Teufelsberg. Während das „E“ die urbane Freiheit und den Alltag der Großstadt thematisiert, richtet das Mural „Medusa“ den Blick auf eine andere Art von Freiheit – die der Selbstbestimmung und des Widerstands gegen Ungerechtigkeit.

Die mythologische Figur Medusa wird in diesem Werk auf eindringliche Weise neu interpretiert. Einst war Medusa eine Priesterin der Göttin Athena, bekannt für ihre außergewöhnliche Schönheit. Doch diese Schönheit wurde ihr zum Schicksal: Der Meeresgott Poseidon missbrauchte sie in Athenas Tempel. Athena, die dies als Schändung ihres Heiligtums betrachtete, verwandelte Medusa in ein Monster, das jeden Mann zu Stein erstarren ließ, der sie ansah.

Mit intensiven Farben, verschlungenen Schlangen, die als Haare ihre widersprüchliche Natur unterstreichen, und einem durchdringenden Blick zeigt CAZ.L Medusa in all ihrer Komplexität. Sie ist zugleich Opfer und mächtige Kämpferin, ein Symbol für Schmerz, Stärke und Transformation. Dieses Werk verschmilzt Mythologie mit einer modernen feministischen Perspektive und beleuchtet, wie Frauen oft durch äußere Gewalt gezwungen werden, ihre eigene Macht zu entdecken – eine Botschaft, die gerade im Rahmen des Power of Female Art Festivals besonders stark resoniert.

Ob du die cleveren Vögel des „E“ bewunderst oder vor dem durchdringenden Blick von „Medusa“ stehst – die Kunst von CAZ.L wird dich begeistern und berühren. Beide Werke laden zum Nachdenken ein und hinterlassen einen bleibenden Eindruck.

Im Rahmen des #FreiheitBerlin-Projekts auf dem Teufelsberg hat das Berliner Künstlerduo ENNICOLOR den Buchstaben „B“ auf ihre einzigartige Art und Weise gestaltet. Das Duo, bestehend aus der multidisziplinären Künstlerin Enni Vuong und dem Künstler Kerim Yilmaz, schuf ein faszinierendes und vielschichtiges Werk, das die Idee von Freiheit in unserer modernen Gesellschaft neu interpretiert. Das Kunstwerk sticht durch seine markanten Farben und kraftvolle Symbolik hervor und lädt dazu ein, die Bedeutung von Freiheit und gesellschaftlichen Grenzen zu hinterfragen.

Freiheit als Prozess

Der Buchstabe „B“ ist ein vielschichtiges Kunstwerk, das tiefere Einblicke in das Thema Freiheit bietet. ENNICOLOR versteht Freiheit als einen „Ausbruch“ aus den gesellschaftlichen Normen und Beschränkungen. In diesem Bild zeigen sie verschiedene Schichten von Häusern, die symbolisch für soziale Klassen stehen. Die Häuser sind von Zäunen umgeben, die die Einschränkungen und Grenzen darstellen, denen wir als Individuen und als Gesellschaft unterliegen.

Die Zäune, die sich wie ein Netz über den Buchstaben ziehen, repräsentieren die vielen Barrieren – physische, soziale und psychologische – die unsere Lebensrealität prägen. Diese Barrieren können von der Gesellschaft auferlegt werden, aber auch das eigene Selbstbild kann zu einer Einschränkung werden. Nur wenige Menschen schaffen es, durch Lücken und Wege im System auszubrechen und echte Freiheit zu erleben. Das Kunstwerk verdeutlicht: Je weiter unten man sich in der sozialen Struktur befindet oder je negativer das Selbstbild ist, desto schwieriger wird es, die Freiheit zu finden.

Diese Darstellung von Freiheit geht tief – sie erfordert Mut, den Willen, Grenzen zu überwinden, und die Bereitschaft, sich Herausforderungen zu stellen. ENNICOLOR zeigt mit ihrem Werk, dass echte Freiheit nicht nur ein Zustand, sondern ein ständiger Prozess ist, der Einsatz und Gemeinschaftsgefühl verlangt. Ihr „B“ erinnert uns daran, dass Freiheit kein Privileg einiger Weniger sein sollte, sondern ein Ziel, das wir gemeinsam anstreben müssen.

Die kreative Fusion

ENNICOLOR vereint die Talente von Enni Vuong und Kerim Yilmaz, die beide ihre künstlerischen Wurzeln in den Bereichen Grafikdesign, Graffiti und Illustration haben. Enni, die asiatische Wurzeln hat und an der Münster School of Design studierte, liebt es, mit verschiedenen Materialien und Techniken zu experimentieren – von analoger Malerei bis hin zu digitalem Design. Kerim, ein autodidaktischer Künstler mit türkischen und niederländischen Wurzeln, begann seine kreative Reise in den Niederlanden als Graffiti-Künstler und entwickelte über die Jahre eine Leidenschaft für präzise Illustration und detailverliebte Holzarbeiten. Seine akkurate Linienführung und isometrischen Städte-Illustrationen sind unverkennbare Markenzeichen seiner Werke.

Zusammen bilden Enni und Kerim das Duo ENNICOLOR, das in der Berliner Kunstszene für seine innovativen und mehrschichtigen Werke bekannt ist. Ihre Arbeiten kombinieren Realismus, Surrealismus und geometrische Formen, wodurch sie einzigartige Kunstwerke schaffen, die stets eine starke Botschaft tragen

Kunst und Natur

Neben dem Buchstaben „B“ haben ENNICOLOR bereits 2023 ein beeindruckendes Wandgemälde auf dem Teufelsberg gestaltet. Das Mural zeigt eine faszinierende Szene, in der ein Wal vorsichtig einer jungen Frau begegnet. Über dem Werk steht die Aufschrift „I’m sorry for what we have done to you“. Die Szene ist tief berührend und ruft zum Nachdenken über das Verhältnis des Menschen zur Natur und die Auswirkungen unseres Handelns auf andere Lebewesen auf. Ohne direkt zu urteilen, fängt ENNICOLOR hier eine Botschaft der Reue und Verantwortung ein, die uns an unsere Verantwortung für die Welt um uns herum erinnert.

Mit ihrem Werk auf dem Buchstaben „B“ und dem eindrucksvollen Wal-Mural hat ENNICOLOR den Teufelsberg mit Botschaften von Freiheit, Verantwortung und Hoffnung bereichert. Wenn du den Buchstaben „B“ und weitere beeindruckende Werke auf dem Teufelsberg selbst erleben möchtest, kannst du unsere exklusive Street-Art-Tour buchen. Diese Tour ermöglicht dir den Zugang zum „Buchstaben-Dach“, einem Bereich, der normalerweise nicht für die Öffentlichkeit zugänglich ist. Hier kannst du die Kunstwerke hautnah erleben und die Geschichten dahinter aus einer einzigartigen Perspektive entdecken.